foto © Studio U.V. – Fondazione Teatro Donizetti

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Gaetano Donizetti, L’esule di Roma

Bergamo, Teatro Donizetti, 13 novembre 2026

★★★☆☆

L’esule di Roma: quando il rimorso diventa teatro

Con L’esule di Roma, il Donizetti Opera riscopre un titolo giovanile che anticipa la maturità drammatica del compositore. Sul palcoscenico un terzetto di protagonisti di notevole personalità, con Luca Pisaroni, Lidia Fridman e Sergey Romanovsky. Efficace la direzione di Carminati, mentre la regista Katharina Thoma riscrive il lieto fine e trasforma la redenzione in un finale tragico, estraneo all’originale donizettiano.

C’è un momento nella parabola creativa di un compositore in cui il mestiere lascia intravedere il genio e la musica smette di accompagnare il teatro per diventare essa stessa teatro. Per Gaetano Donizetti quel momento coincide, almeno in parte, con L’esule di Roma, ossia Il proscritto, titolo inaugurale della dodicesima edizione del Donizetti Opera, la seconda affidata a Riccardo Frizza nel duplice ruolo di direttore artistico e musicale.

Rappresentato per la prima volta il 1° gennaio 1828 al Teatro San Carlo di Napoli, il melodramma eroico in due atti, su libretto di Domenico Gilardoni tratto da un dramma di Luigi Marchionni, a sua volta derivato da un mélodrame francese di Louis-Charles Caigniez, appartiene a una stagione nella quale il compositore bergamasco comincia a emanciparsi dall’illustre modello rossiniano. Siamo ancora lontani da Anna Bolena e Lucia di Lammermoor, ma già si riconosce quella straordinaria capacità di scandagliare le passioni e trasformare il canto in autentica azione drammatica.

L’azione si svolge nella Roma imperiale, durante il regno di Tiberio. Settimio, ingiustamente proscritto, ritorna clandestinamente in patria per amore di Argelia, figlia del senatore Murena, responsabile della sua condanna. Dietro la solennità della cornice storica si consuma un dramma essenzialmente privato, dominato dall’amore, dalla colpa e dal rimorso. (1)

È proprio Murena il personaggio più interessante della partitura. La progressiva disgregazione della sua coscienza offre a Donizetti l’occasione per indagare musicalmente lo sconvolgimento psicologico, anticipando quel teatro della follia che diventerà uno dei tratti distintivi della sua maturità. Argelia, divisa fra amore filiale e passione, ne costituisce il contraltare emotivo, mentre Settimio incarna l’eroe perseguitato, intorno al quale convergono le responsabilità e i tormenti degli altri. La scrittura conserva le strutture del melodramma rossiniano, ma rivela una crescente attenzione alla continuità teatrale, alla caratterizzazione dei personaggi e alla forza espressiva dei grandi concertati. Meritoria, dunque, la scelta del festival di recuperare questo titolo desueto nell’edizione critica di Roger Parker e Ian Schofield.

A guidare l’Orchestra Donizetti Opera è Fabrizio Maria Carminati, chiamato a sostituire il compianto Antonino Fogliani, ricordato con commozione da Frizza prima della rappresentazione. Direttore di solido mestiere e sicura esperienza, Carminati privilegia la fluidità dell’azione e l’efficacia teatrale rispetto al cesello strumentale, il passo è sostenuto, la concertazione attenta alle esigenze del palcoscenico. Particolarmente riusciti il terzetto conclusivo del primo atto, animato da una crescente tensione, e il duetto fra Argelia e Murena nel secondo. Buona la prova dell’orchestra e del giovane Coro dell’Accademia Teatro alla Scala.

Sul versante vocale, Sergej Romanovskij affronta la parte di Settimio con mezzi davvero ragguardevoli. La voce è ampia, pastosa, di impressionante proiezione, capace di riempire la sala. Una generosità sonora che conferisce al personaggio indubbia statura eroica, ma che talvolta si trasforma in eccesso: gli acuti risultano a tratti forzati e il fraseggio, prevalentemente declamatorio, non sempre restituisce le sfumature sentimentali della scrittura donizettiana. Resta un interprete di straordinario impatto vocale, al quale gioverebbe una maggiore economia dei mezzi.

Di tutt’altra natura la prova di Luca Pisaroni, basso-baritono ben più frequentato dai grandi palcoscenici internazionali che da quelli italiani. Il suo Murena si impone per autorevolezza vocale e intelligenza teatrale. Il timbro nobile, la saldezza dell’emissione e la cura della parola si accompagnano a un fraseggio ricco di intenzioni, capace di restituire le contraddizioni di un uomo progressivamente divorato dal rimorso. Pisaroni evita ogni facile enfasi, costruendo il personaggio attraverso un graduale cedimento psicologico, dalla severità del senatore alla disperazione del padre. La grande scena del tormento interiore diventa così uno dei vertici della serata, sostenuta da un canto espressivo e da una presenza scenica di notevole intensità. Un’interpretazione matura, nella quale tecnica e sensibilità drammatica trovano una felice sintesi.

Lidia Fridman disegna un’Argelia di forte temperamento, affidandosi a una vocalità personalissima, dal colore scuro e dagli accenti spesso taglienti. Il suo canto non ricerca tanto la levigatezza belcantistica quanto l’urgenza dell’espressione, conferendo al personaggio una dimensione quasi febbrile. Qualche asperità timbrica e una certa insistenza sull’accento drammatico possono compromettere l’omogeneità della linea, ma la cantante possiede una forza comunicativa indiscutibile. Particolarmente intenso il duetto con Pisaroni, nel quale il confronto fra le due diverse personalità vocali si traduce in un momento di autentica tensione teatrale. Convincente anche la tenuta nel virtuosistico finale, affrontato senza smarrire la definizione psicologica del personaggio. Apprezzabile il contributo di Marcelo Solís, allievo della Bottega Donizetti, che interpreta Publio con musicalità e buona consapevolezza stilistica. Completano positivamente il cast Vittoria Vimercati, Leontina, e Matteo Mollica, impegnato nella doppia parte di Lucio e Fulvio.

Al suo debutto al festival, la regista Katharina Thoma trasferisce la vicenda in una contemporanea dittatura, evidenziando i meccanismi di sopraffazione del potere e il conflitto fra autorità pubblica e sentimenti privati. Un’attualizzazione sostanzialmente leggibile, che non compromette la comprensione di un libretto drammaturgicamente piuttosto fragile. Due le principali libertà registiche. La prima, tutto sommato accettabile, introduce in scena personaggi soltanto evocati nel testo: il perfido Seiano, presenza statuaria e inquietante, e la piccola Emilia, sorella di Argelia. Più discutibile la seconda, che trasforma il lieto fine in un epilogo tragico. Settimio e Murena vengono accompagnati al funerale, mentre il giubilo di Argelia, «Ogni tormento, qual nebbia al vento, si dileguò!», diventa manifestazione della sua follia. Una soluzione che elimina l’implausibile episodio del leone riconoscente, ma impone alla musica un significato opposto a quello immaginato da Donizetti. Il contrasto può apparire intellettualmente suggestivo, ma non trova piena giustificazione teatrale, come hanno confermato i dissensi di una parte del pubblico.

Elegante e funzionale l’impianto scenografico di Devin McDonough costruito attraverso lesene neoclassiche realizzate da capitelli di gesso e grandi teli fluttuanti trasformati dalle luci di Fiammetta Baldiserri e dai video di Luca Scarzella in superfici ora trasparenti, ora tridimensionali. Un ambiente visivamente suggestivo, benché alla lunga un poco ripetitivo, che evoca insieme la monumentalità e la fragilità del potere imperiale. Particolarmente felice l’idea del pavimento a mosaico raffigurante un leone, rivelato però solo a un certo momento dello spettacolo da un grande specchio inclinato che si alza sul fondo della scena. Funzionali i costumi moderni di Irina Bartels.

Il merito maggiore del Donizetti Opera resta quello di restituire al palcoscenico un lavoro che, pur con tutte le sue ingenuità, rivela già un compositore capace di guardare oltre le convenzioni del proprio tempo. Perché sotto le armature della Roma imperiale e gli improbabili espedienti del melodramma eroico pulsa già il cuore inquieto del Donizetti romantico. E nel rimorso di Murena si avverte, prima ancora della follia di Lucia, quella vertigine dell’animo umano che farà del bergamasco uno dei più grandi uomini di teatro dell’Ottocento.

(1) Atto I. Roma, durante il regno dell’imperatore Tiberio. Il generale Publio rientra vittorioso da una campagna militare e viene accolto con grandi onori. Il senatore Murena, padre di Argelia, vede con favore il giovane e vorrebbe concedergli in sposa la figlia. Argelia, tuttavia, ama segretamente Settimio, un valoroso romano che è stato proscritto e costretto all’esilio con l’accusa di aver cospirato contro lo Stato. Settimio, nonostante la condanna, è tornato clandestinamente a Roma per rivedere Argelia. L’incontro tra i due innamorati conferma la forza del loro sentimento, ma rende ancora più drammatica la situazione: se scoperto, Settimio rischia infatti la morte. Argelia viene inoltre a conoscenza di una verità sconvolgente. Dietro la condanna dell’amato si nasconde una grave responsabilità di suo padre. Murena, per proteggere la propria posizione e sottrarsi alle conseguenze di una vicenda politica compromettente, ha contribuito alla rovina di Settimio. La giovane si trova così divisa fra l’amore per il padre e quello per l’uomo ingiustamente perseguitato. Settimio viene infine scoperto e arrestato. Murena è travolto dal rimorso: sa che il giovane rischia la vita anche a causa sua, ma teme che confessare la verità possa significare la propria rovina. Il conflitto morale del senatore diventa così uno dei nuclei centrali dell’opera, mentre Argelia cerca disperatamente una possibilità di salvezza per l’amato.
Atto II. La condanna di Settimio appare ormai inevitabile. Il giovane deve affrontare una terribile pena: essere esposto nell’arena e combattere contro un leone. Di fronte alla prospettiva della morte dell’innocente, il senso di colpa di Murena diventa insostenibile. Il senatore è tormentato da visioni e immagini di morte e precipita in uno stato di profonda alterazione, in una delle scene psicologicamente più intense dell’opera. Argelia tenta con ogni mezzo di salvare Settimio. È pronta a rendere pubbliche le prove che dimostrano le responsabilità paterne, anche se questo comporterebbe la disgrazia di Murena. Il conflitto raggiunge così il suo punto estremo: salvare Settimio significa accusare il padre, mentre proteggere Murena significherebbe abbandonare l’uomo che ama a una morte ingiusta. Settimio viene condotto nell’arena. Quando ogni speranza sembra perduta, avviene però l’evento decisivo: il leone destinato a ucciderlo lo riconosce. Tempo prima Settimio aveva infatti estratto una spina dalla zampa dell’animale e lo aveva curato; invece di assalirlo, la belva gli manifesta riconoscenza e lo risparmia. L’episodio, derivato dalla celebre tradizione di Androclo e il leone, suscita lo stupore e la commozione dei presenti. Il prodigioso avvenimento determina il capovolgimento finale. La vicenda di Settimio viene riesaminata e il proscritto ottiene la salvezza. Murena può infine liberarsi dal peso della propria colpa, mentre viene meno anche l’ostacolo rappresentato dal progettato matrimonio fra Argelia e Publio. Settimio e Argelia possono dunque ricongiungersi. Dopo il clima cupo dominato dalla proscrizione, dal rimorso e dalla minaccia della morte, L’esule di Roma si conclude con il trionfo dell’innocenza e dell’amore, mentre la salvezza del protagonista ristabilisce quell’ordine morale che le colpe e le ambizioni degli uomini avevano profondamente turbato.

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