Agostino Piovene

Bajazet

Andrea Celesti, Tamerlano e Bajazet, circa 1700

Antonio Vivaldi, Bajazet

Il libretto del Bajazet di Agostino Piovene fu intonato la prima volta nel 1711 da Francesco Gasparini per il Teatro di San Cassiano di Venezia. Da allora fu messo in musica altre 40 volte – Leonardo Leo (1722), Georg Friedrich Händel (1724), Nicola Antonio Porpora (1730), Giovanni Battista Lampugnani (1748), Niccolò Jommelli (1753), Giuseppe Sarti (1764), Giuseppe Scarlatti (1765), Josef Mysliveček (1772) ecc. – con titoli più o meno omonimi. La versione di Antonio Vivaldi è stata presentata per il Carnevale 1735 al Filarmonico di Verona.

Così scrive il librettista: «È cosi nota la storia del Tamerlano e di Bajazette, che invece di affaticarmi ad istruirne il lettore dovrei studiarmi a disimprimerlo da certe opinioni che vengono accreditate per vere. Si crede comunemente che, dopo la prigionia di Bajazette, Tamerlano si servisse di lui per iscabello per salire a cavallo, che lo rinchiudesse in una gabbia di ferro e che si facesse servire dalla di lui moglie ignuda alla mensa. Di tutto ciò nulla fanno menzione gli autori più accreditati: anzi, molti asseriscono esser tutto questo favoloso. Ciò nonostante, io che non assumo di scrivere una storia ma di far rappresentare una tragedia, ho preso dalle sopraccennate favole, ridotte al decoro del teatro e alla possibile probabilità, un’azione la quale ha per fine la morte di Bajazette. Che lo stesso si avvelenasse di propria mano, che Tamerlano fosse confederato co’ greci, che il medesimo si placasse per la morte di Bajazette, si legge nell’Historia Bizantina Ducæ Michaelis Ducæ Nepotis, nella quale si descrive diffusamente il successo. Degli amori poi d’Andronico, principe greco, con Asteria figliola di Bajazette, e della venuta d’Irene principessa di Trebisonda, promessa sposa di Tamerlano, me n’ha suggerito il motivo Mons. Pradon, nel suo Tamerlano, ò sia Morte di Bajazette». (1)

«[Bajazet] rappresenta l’ultimo esito di un’immagine tradizionale del pericolo turco» scrive Carlo Vitali «ma ridotta alla stanca ritualità di uno spauracchio che dopo la pace di Passarowitz non fa più veramente paura a nessuno, anche se nel 1738, grazie all’alleanza francese, l’Ottomano potrà tornare per un momento a farsi minaccioso e contrattaccare nei Balcani riprendendosi la Serbia e la Valacchia. Al barbaro turco Bajazet, sadicamente brutalizzato dalla superbarbarie del mongolo Tamerlano, finiscono per andare le simpatie dello spettatore, inaugurando un filone che culminerà entro un secolo con le figure – talora magnanime, talaltra francamente ridicole, ma sempre venate di patetico in quanto perdenti designati – del mozartiano Selim o dei due pascià rossiniani. Di questa potenziale ambivalenza emotiva verso i due protagonisti testimonia l’oscillazione del titolo: Bajazet nella partitura manoscritta, Tamerlano nel libretto a stampa».

Il Bajazet è un pasticcio, una composizione cioè formata da pezzi musicali di opere precedenti di Vivaldi stesso o di altri autori, procedimento molto frequentemente utilizzato all’epoca. Lo stesso Vitali ricostruisce così con i suoi varii imprestiti la versione critica di Fabio Biondi:
Atto I. scena 1: «Del destin non dee lagnarsi» (Vivaldi, L’olimpiade: «Del destin non vi lagnate»);
scena 2: «Nasce rosa lusinghiera» (Vivaldi, Il Giustino: «Senti l’aura che leggera», poi anche Farnace: «Scherza l’aura lusinghiera»).
scena 3: «In sì torbida procella» (Giacomelli, Alessandro Severo).
scena 4: «Quel ciglio vezzosetto». Manca nella partitura; trapianto isometrico di Fabio Biondi da Vivaldi, L’Atenaide: «Quanto posso a me fa schermo»
scena 6: «Vedeste mai sul prato» (Hasse, Siroe).
scena 9: «Amare un’alma ingrata» (Vivaldi, Semiramide). Sostituisce quella prevista nel libretto: «A chi fè giurasti un dì».
scena 11: «Qual guerriero in campo armato» (Riccardo Broschi, Idaspe).
scena 12 e ult.: «Non ho nel sen costanza» (Giacomelli, Adriano in Siria).
Atto II. scena 2: «Anche il mar par che sommerga» (Vivaldi, Semiramide).
scena 4: «La sorte mia spietata» (Hasse, Siroe: «La sorte mia tiranna»).
scena 5: «Cruda sorte, avverso fato». Manca nella partitura; trapianto isometrico di Fabio Biondi da Vivaldi, Semiramide: «Vincerà l’aspro mio fato».
scena 6: «La cervetta timidetta» (Vivaldi, Il Giustino e Semiramide).
scena 7: «Sposa, son disprezzata» (Giacomelli, Merope o Broschi, Merope: «Sposa, non mi conosci»).
scena 8: «Dov’è la figlia?» (Vivaldi, Motezuma).
scena 10 e ult. Quartetto: «Sì, crudel» (Vivaldi, Farnace).
Atto III. scena 1: «Veder parmi or che nel fondo» (Vivaldi, Farnace).
scena 4: «Barbaro traditor» (Giacomelli, Merope).
scena 8: «Spesso tra vaghe rose» (Hasse, Siroe).
scena 12: «Son tortorella». Trapianto isometrico di Fabio Biondi da Vivaldi, Rosmira: «La rondinella».
scena 15 e ult. Coro: «Coronata di gigli e di rose» (Vivaldi, Farnace).

La produzione veneziana in forma semiscenica di Fabio Biondi con l’Orchestra L’Europa Galante al Malibran di Venezia nell’ottobre 2007 era stata presentata l’anno prima in Giappone, da cui proviene una registrazione video di fortuna disponibile in rete.  Qui i solisti sono Christian Senn (Bajazet), Daniela Barcellona (Tamerlano), Vivica Genaux (Irene), Manuela Custer (Andronico), Marina de Liso (Asteria), Sunhae Im (Idaspe). Pochi anni dopo uscirà l’edizione discografica con Ildebrando D’Arcangelo, David Daniels, Vivica Genaux, Elīna Garanča, Marijana Mijanovič e Patrizia Ciofi in cui viene confermata l’interprete di Irene, una strepitosa Viviva Genaux instancabile nella virtuosistica aria del Farinelli «Qual guerriero in campo armato» e poi nella famosa «Sposa son disprezzata» conosciuta nella versione del Parisotti che a fine Ottocento l’ha inserita nella sua raccolta di arie antiche e che viene spesso proposta dalla Bartoli nei suoi recital.

(1) Atto primo. Nel giardino della capitale occupata di Brusa, capitale della Bitinia, nel 1403, residenza di Tamerlano dopo la sconfitta dei Turchi. Scena 1 (Bajazet e Andronico): In attesa della morte, Bajazet dice ad Andronico che se sposerà Asteria dovrà odiare Tamerlano. Scena 2 (Andronico e Idaspe). Andronico dice a Idaspe di sorvegliare Bajazet per il bene di Asteria. Idaspe lo avverte che la Grecia ha già consegnato l’Impero a Tamerlano e che la bellezza di Asteria svanirà, ma Andronico potrebbe essere incoronato imperatore bizantino. Scena 3 (Tamerlano e Andronico): Tamerlano concede ad Andronico l’Impero bizantino e gli rivela di essere innamorato di Asteria. Chiede ad Andronico di chiedere la sua mano a Bajazet e gli dice che dovrebbe sposare Irene (promessa sposa di Tamerlano). Scena 4 (Andronico da solo): Andronico riflette: Non è ingrato nei confronti di Tamerlano, ma desidera avere Asteria. Appartamenti reali per Bajazet e Asteria, sorvegliati. Scena 5 (Asteria): Asteria riflette sul suo dilemma: ama Andronico ma crede che lui sia interessato solo all’ambizione imperiale. Scena 6 (Tamerlano e Asteria): Tamerlano comunica ad Asteria il suo amore e la minaccia di morte per il padre. Le dice che Andronico sposerà Irene e canta un’aria d’amore prima di andarsene. Scena 7 (Andronico, Bajazet e Asteria): Asteria rimprovera Andronico davanti al padre. Andronico inizia a spiegarsi, ma Bajazet gli dice che parla a nome della figlia dicendo che lei rifiuterà di sposare Tamerlano e Bajazet perderà la testa.
Scena 8 (Asteria e Andronico): Asteria è arrabbiata con Andronico e gli dice di eseguire gli ordini del padre, ma di non parlare per lei. Dopo la sua partenza, si chiede come possa continuare ad amare chi non le è fedele. Scena 9 (Irene, Andronico e Idaspe): Irene vuole sapere perché il suo promesso sposo non è lì ad accoglierla. Idaspe spiega che ama un’altra. Andronico le propone di andare da lui come messaggero di Irene. [La donna accetta di lottare per i suoi diritti. Scena 10 (Andronico da solo): Andronico ammette a sé stesso che Irene è bella e che il suo regno aumenta la sua bellezza, ma è triste per Asteria. Canta un’aria in cui riconosce che se non si muore di dolore in queste circostanze è perché “o il potere della morte è debole; o il dolore è impotente”.
Atto secondo. Campagna aperta con i padiglioni di Tamerlano che si aprono per mostrare Tamerlano e Andronico seduti. Scena 1 (Tamerlano, Andronico, Idaspe): Tamerlano dice ad Andronico di aver saputo del consenso di Asteria tramite la sua ancella e che oggi avranno luogo sia il matrimonio di Tamerlano con Asteria che quello di Andronico con Irene. Scena 2 (Andronico e Idaspe): Andronico dice a Idaspe che intende rimproverare Asteria, cedere Irene e il suo regno a Tamerlano, fare piena ammenda e offrire ad Asteria la sua vita e la sua fortuna. Idaspe va a informare Bajazet della decisione di Asteria. Scena 3 (Andronico e Asteria): Asreria rimprovera ad Andronico di non essersi opposto all’offerta di Tamerlano. Andronico dice che darà la vita se lei lo desidera. Lei gli dice che è troppo tardi, Tamerlano chiama. Scena 4 (Andronico da solo): Andronico si dispera per aver perso Asteria e perderà la vita. Decide di andare da Bajazet. Il padiglione si apre e rivela Tamerlano e Asteria su dei cuscini. Scena 5 (Tamerlano, Asteria, Idaspe e poi Irene): Idaspe annuncia un messaggero da parte di Irene, che entra fingendo di essere il messaggero. Tamerlano chiede ad Asteria di comunicarle la sua decisione di accettare Tamerlano. Irene protesta e Tamerlano ammette la sua colpa (di infedeltà) ma le ordina di dire a Irene che quel giorno otterrà un nuovo marito e un regno. Scena 6 (Asteria, Irene e Idaspe): Asteria informa il “messaggero” di Irene che intende scontentare Tamerlano e che Irene potrebbe riaverlo. Scena 7 (Irene e Idaspe): Irene si meraviglia della determinazione di Asteria e dice di amare Tamerlano, nonostante la sua infedeltà. Scena 8 (Andronico e Bajazet): Andronico informa Bajazet di aver visto Asteria accettare il trono. Bajazet accusa Andronico di non essersi battuto abbastanza per lei. I due vanno a trovarla, mentre Bajazet canta la sua disperazione. Accampamento militare con Tamerlano e Asteria seduti in vista dell’esercito. Scena 9 (Tamerlano, Asteria, poi Andronico, Bajazet e Irene): Asteria acconsente alla richiesta di Tamerlano di ritirarsi negli alloggi reali (con la precisazione che ha un piano). Bajazet arriva in cerca della figlia e dice a Tamerlano che il sangue di un sultano ottomano non si mischia con quello di un contadino. Irene (sempre come messaggera) arriva per sfidare Asteria. Tamerlano dice che se riuscirà a far rinunciare Asteria al trono, questo sarà di Irene. Bajazet fa una lunga denuncia di Asteria. Asteria rinuncia al trono e rivela che avrebbe pugnalato Tamerlano a letto. Tamerlano chiama le guardie a prendere Asteria e Bajazet, sui quali si vendicherà. Tamerlano, Bajazet, Asteria e Irene cantano in quartetto l’infedeltà, la crudeltà, la pietà e la morte.
Atto terzo. Giardino sulle rive dell’Eufrate. Scena 1 (Asteria e Bajazet): Bajazet condivide con la figlia il veleno da usare quando Tamerlano inizierà la sua vendetta su di loro. Scena 2 (Tamerlano, Andronico e Asteria (in disparte all’inizio)): Tamerlano dice ad Andronico che perdonerà Asteria se lei cederà. Andronico inizia a supplicare, ma Asteria entra e fraintende le sue intenzioni. Andronico è costretto a dichiarare il suo amore davanti a Tamerlano, che in preda alla furia ordina la decapitazione di Bajazet e il matrimonio di Asteria con la schiava più meschina. Scena 3 (Bajazet e il precedente): Bajazet entra e ordina alla figlia di alzarsi; non deve inchinarsi a Tamerlano. Tamerlano si infuria e ordina ad Asteria e a Bajazet di recarsi nella sala da pranzo, invitando Andronico a guardare. Tamerlano canta un’aria del suo “odio, furore e veleno per Asteria”. Scena 4 (Andronico da solo): Andronico decide di rinunciare al trono per Asteria, rendendosi conto di non poter sfuggire ad “amore e pietà, rabbia e crudeltà”. Sala da pranzo con tutta la guardia. Scena 5 (Tamerlano, Bajzset, Andronico, poi Irene): Tamerlano informa Bajazet che è stato fatto uscire dalla sua cella per sorvegliarlo. Poi convoca Asteria. Scena 6 (Asteria e i precedenti): Tamerlano ordina ad Asteria di servirgli una bevanda. Lei lo riempie di nascosto con il veleno che le ha dato Bajazet e lo offre a Tamerlano. Scena 7 (Irene con il precedente): Irene avverte Tamerlano di non prendere la bevanda, dicendogli che Asteria l’ha avvelenata. Asteria prende la coppa per bere, ma Andronico gliela strappa di mano. Asteria si precipita fuori. Tamerlano ordina alla guardia di portarla con sé per consegnarla alla folla. Bajazet promette che verrà con mille furie a strappare il cuore di Tamerlano. Scena 8 (Bajazet se ne va, gli altri restano): Irene chiede a Tamerlano cosa ne sarà di lei. Tamerlano risponde che sarà la sua sposa. Irene accetta di perdonare i suoi insulti passati nei suoi confronti. Scena 9 (Idaspe e gli altri): Idaspe avverte Tamerlano che Bajazet ha preso il veleno ed è in punto di morte. Tamerlano offre ad Andronico la sua amicizia, ma non ad Asteria. Scena 10 (Asteria e il precedente): Asteria arriva e annuncia che “è proprio morto, tiranno”. Tuttavia, il suo odio ottomano per Tamerlano non è morto. Implora i mezzi per uccidersi in modo da poter raggiungere suo padre e canta “Pugnalami, picchiami, uccidimi, cadimi”. Scena finale (Asteria se ne va, ma gli altri rimangono): Irene e Andronico chiedono a Tamerlano di avere pietà di Asteria. Tamerlano dice che la morte di Bajazet ha ammorbidito il suo cuore. Tutti cantano la pace imminente e sperano nella perdita dell’odio tra “mille fiamme amorose”.

Polidoro

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Matteo Pugliese, Extra mœnia, 2004 – Immagine scelta per la locandina dello spettacolo

Antonio Lotti, Polidoro

★★★★☆

Vicenza, Teatro Olimpico, 6 settembre 2018

Il gioco barocco delle doppie identità

Damnatio memoriæ. Non usa mezzi termini Franco Rossi sul programma di sala per definire l’atteggiamento della cultura musicale nei confronti dell’opera italiana sei-settecentesca. L’interesse per quella stagione gloriosa sembra essere quasi spento se si guarda alla saggistica sull’argomento, ma anche la proposizione di opere di quel periodo sulle scene dei teatri segna il passo, per lo meno in Italia dove i cartelloni ripropongono alla nausea i soliti venti titoli ottocenteschi e l’unico compositore del XVIII secolo sempre presente è Mozart.

Eppure, ogni tanto anche nel nostro paese, affetto dalla sindrome della memoria corta – in tutti i campi, incluso quello politico – qualcosa si muove e ogni nuova scoperta porta alla conferma del valore di compositori una volta incensati e ora negletti. È il caso di Antono Lotti del quale si riascolta il Polidoro, a trecentoquattro anni dalla presentazione ed è la prima volta in tempi moderni. Era infatti il carnevale del 1714 quando nel veneziano teatro Grimani andava in scena la sedicesima delle circa trenta opere messe in musica da quel figlio di “barcariol” nato nel 1667 e divenuto contraltista, poi organista e infine Maestro di Cappella a San Marco nel 1736, quattro anni prima di morire. Nel frattempo aveva frequentato, tra gli altri, Bach e Händel. La sua opera, in gran parte inedita e che include, oltre alle opere per il teatro, messe, cantate, oratorî e varia musica strumentale, è considerata la transizione dalla musica barocca a quella del periodo classico. La sua musica per la scena non ha la teatralità di Händel o l’imprevedibilità di Vivaldi, ma è comunque di ottima fattura.

Su testo di Agostino Piovene, la tragedia Polidoro viene suddivisa in cinque atti con ventun numeri musicali che, oltre alla sinfonia iniziale, comprendono arie solistiche, duetti e cori. Sette i personaggi impegnati nella vicenda, che si svolge nell’antica Grecia dopo la caduta di Troia: Polinestore, vecchio re di Tracia; la moglie Iliona, figlia di Priamo; Polidoro, fratello di Iliona, creduto Deifilo; Deifilo, figlio di Polinestore, creduto Polidoro e amante di Andromaca; Andromaca, vedova di Ettore e ora in Tracia; Pirro, figlio di Achille e ambasciatore dei Greci, anche lui innamorato di Andromaca; Darete, precettore dei due prìncipi Polidoro e Deifilo. Trattato anche da Virgilio nell’Eneide, il tema mitologico si concludeva con la tragica morte di Polidoro, mentre qui Piovene lo salva per farne un’esaltazione delle virtù di un nobile sovrano.

Iliona, figlia di Priamo, è moglie di Polinestore, re di Tracia. Con lei vivono il fratello Polidoro, di puro sangue troiano, quindi, e Deifilo, il figlio avuto da Polinestore. Iliona teme che i Greci intendano definitivamente annientare la sua stirpe uccidendone il fratello, perciò ha scambiato le identità del figlio Deifilo e del fratello Polidoro nella più tenera età. Essi ne sono entrambi ignari: Deifilo è cresciuto convinto di essere Polidoro, mentre Polidoro crede di essere il figlio di Polinestore. A corte si trova anche Andromaca, vedova di Ettore, e innamorata di Deifilo. La donna è schiava di Pirro, figlio di Achille, che giunge alla reggia in veste di ambasciatore dei Greci per chiedere l’appoggio di Polinestore nell’uccisione di Polidoro. Deifilo convince l’amico a prendere il suo posto, così da venire ucciso in vece sua e salvare così la continuità della stirpe troiana. Scoperto lo scambio, Iliona si trova a un bivio: svelare le vere identità del figlio e del fratello o lasciare che il vero Polidoro, salvandosi, possa vendicare la distruzione di Troia? Decide per la seconda soluzione e Polidoro sale al trono dopo aver fatto imprigionare e accecare Polinestore.

Come nell’Alcesti di Euripide (e poi nei lavori di Händel e Gluck) dove la sposa sacrifica la propria vita per salvare quella del marito Admeto, abbiamo la nobile gara al sacrificio tra Polidoro e Deifilo, qui esemplarmente contrapposta alla brama di potere dei cinici Polinestore e Pirro.

Francesco Erle, che ha diretto i diciotto elementi dell’Orchestra Barocca Vicenza in Lirica, ha dovuto affrontare un problema non da poco: il manoscritto della partitura conservato a San Pietro a Majella non riporta la cifratura del basso continuo, segno che probablmente fu lo stesso Lotti a dirigere il lavoro al debutto. La soluzione scelta da Erle, rinomato studioso dell’opera del Settecento, è stata quella di riinventare stilemi appartenenti alla musica sacra del Lotti per i numerosi e intensi recitativi e il risultato è stato eccellente: la scelta delle armonizzazioni e degli strumenti – particolarmente apprezzato l’utilizzo del fagotto – ha permesso di dare una seconda nuova vita a questo inedito capolavoro.

Non è stata facile neanche la scelta degli interpreti, se si pensa che per la parte del titolo a Venezia era stato chiamato nientemeno che “il Senesino”: Polidoro ha infatti la bellezza di ben cinque arie solistiche, e tutte di grande impegno vocale, che culminano in «Vendetta mi grida | quell’ombra diletta», pagina irta di agilità di forza. Qui a disposizione c’è stata la sorpresa della serata, il controtenore Federico Fiorio, cantante che si era fatto notare nella Zenobia di Albinoni andata in scena pochi mesi fa al Malibran. Versione italiana di Philippe Jaroussky per la soavità del timbro e la facilità delle agilità, si confronta con il collega francese per il colore e per il temperamento con cui ha delineato il complesso personaggio e meritatissimi sono stati i fragorosi applausi che hanno accompagnato la sua performance. Controtenore è anche Deifilo, qui Danilo Pastore, apprezzato per il risultato espressivo con cui ha portato a termine la nobile aria «Se ti serbo al Trono e al Regno» del secondo atto rivolta a Polidoro («vivi amico, che più degno | sei di vivere di me»), i due duetti con l’amata Andromaca e il drammatico arioso in cui compare come ombra di sé stesso nell’atto quinto a chiedere vendetta: «Legge è del Ciel, che del misfatto indegno | paghi il reo Polinestore la pena. | Né ti stupir, che la dimandi il figlio». Terzo controtenore – sembra quasi di non essere in Italia… – per Pirro, qui sostenuto nella recita del 6 settembre da Luca Parolin che si è esibito con efficacia nelle sue due arie. Andromaca, oltre ai duetti di cui s’è detto, ha per sé altre due arie e quella che conclude il secondo atto, «Non vuol sangue, ma pianto quell’empio» ha una  superba linea melodica accompagnata da tutti gli strumenti in orchestra. La figura e la sicura vocalità di Maria Elena Pepi hanno dato un corpo a questo dolente personaggio con grande impegno. Le due arie di Darete hanno permesso di far apprezzare la bella voce dal timbro giustamente scuro di Patrizio La Placa. Una sola è l’aria con cui Iliona si esprime nel Polidoro, una pagina di “smanie” in cui la donna è combattuta tra l’amore per il figlio e quello del fratello («Come belva, cui rapita | sia la prole sua gradita»). Ma è soprattutto nei recitativi che il personaggio esprime il dramma e Anna Bessi ha egregiamente apportato il suo contributo. Anche Polinestore ha un solo numero solistico, ma si tratta di una lunga scena con cui si conclude il terzo atto, costituita da un drammatico recitativo («Mio figlio? Ah, iniqua donna! Tu il tradisti!») e aria («Eccole orribili») in cui il vecchio re scopre di aver fatto uccidere il proprio figlio Deifilo. Davide Giangregorio ha impersonato con autorevolezza il tiranno crudelmente punito dando prova di ottime capacità attoriali in una scena che il regista Cesare Scarton ha ideato come un drammatico flashback.

E veniamo dunque alla messa in scena del Polidoro. Di certo non si può dire che la storia della regia d’opera abbia avuto un apporto determinante da questo allestimento, ma i limiti imposti dalla cornice, il mitico Teatro Olimpico del Palladio con la sua scena fissa e la fragilità degli impianti (ma che acustica meravigliosa!), ha condizionato la lettura della vicenda e gli interventi sugli “attori” si sono concentrati sugli ingressi e le uscite utilizzando anche la gradinata per il pubblico. Per il resto in scena ci sono stati aggraziati movimenti di statuine settecentesche solo a tratti percorse da un qualche fremito di vita. Unica possibilità scenica è stata quella di sfruttare le due botole che si aprono nelle tavole di legno del palcoscenico per realizzare una spazialità meno limitata e compensata da opportuni giochi di luce, efficaci ma che avrebbero potuto essere più incisivi. Lo stesso si può dire dei costumi, disegnati da Giampaolo Tirelli che ha scelto modelli settecenteschi sontuosi e accuratamente realizzati, ma che potevano essere ancora più teatralmente fantasiosi, magari portando all’eccesso qualche particolare o scegliendo modelli di un’epoca completamente diversa.

Queste riflessioni non hanno comunque impedito al pubblico accorso numeroso a questa insolita prima di esprimere con prolungati e convinti applausi il gradimento per lo spettacolo. Si replica questa sera.

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photo © Francesco Dalla Pozza

Tamerlano

Georg Friedrich Händel, Tamerlano

★★★☆☆

Bruxelles, Théâtre Royal de la Monnaie6 febbraio 2015

(video streaming)

Da Stoccolma a Bruxelles, ma sempre minimalista

Vengono ripresi alla Monnaie gli spettacoli händeliani allestiti da Pierre Audi allo Slottsteater di Drottningholms nel 2002. Qui a Bruxelles essi si alternano: Tamerlano una sera e quella seguente Alcina.

Per entrambi quasi la stessa messa in scena, ancora più vuota quella del Tamerlano: se nella Alcina qualche quinta dipinta a fogliame e alcune casse occupavano il palcoscenico, qui c’è una sola sedia che funge da trono e da capestro e una prospettiva forzata di lesene il cui oro esce dal fondo nero in cui il tutto è immerso. L’abile gioco di luci di Matthew Richardson dà rilievo ai personaggi persi nel vuoto e ai loro costumi settecenteschi inizialmente dalle tinte attenuate e poi da colori più vivi.

Al minimalismo scenico si contrappone una recitazione piuttosto marcata che si sviluppa molto sul pavimento con continui accasciamenti dei personaggi. La regia appartiene alla collaudata maniera di Audi che, depurata di ogni scenografia, affida solo alla tensione fra i personaggi la drammatizzazione, ma in un’opera come questa, scura e di durata che supera le tre ore, la noia è sempre in agguato e non è certo l’eleganza dei movimenti da partita di scacchi con cui si muovono i personaggi a renderla emozionante. Poco comprensibili, anzi inopportune, sono poi alcune gag come quella del “colpo della strega” che colpisce la schiena del servo Leone.

Anche la direzione di Christophe Rousset risulta essenziale come le scenografie e latente di forza drammatica, ma la limitatezza delle dinamiche sembra una scelta per non mettere in difficoltà i cantanti che, soprattutto quelli maschili, non possono sfoggiare volumi vocali consistenti. Così infatti è per il Tamerlano di Christophe Dumaux, controtenore di temperamento e grande presenza scenica ma qui meno convincente del solito. Il limitato volume sonoro del Bajazet di Jeremy Ovenden lo porta a un eccesso di caratterizzazione con uso del parlato e passaggi di intonazione precaria. Da dimenticare il Leon di Nathan Berg. Meglio il reparto femminile con Sophie Karthäuser eccellente Asteria, non male Delphine Galou nei panni dell’Andronico che fu tenuto a battesimo dal Senesino nel 1724 ed efficace l’Irene di Anna Hallenberg.

Tamerlano

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★★★☆☆

Domingo barocco

Anche se Tamerlano è il protagonista dell’omonimo poema di Marlowe (Tamburlaine the Great, 1590), è al Bajazet di Agostino Piovene e al Tamerlan ou La mort de Bajazet di Jacques Nicolas Pradon che bisogna ricondurre il libretto dello Haym per l’opera di Händel andata in scena nel 1724. Tra gli altri innumerevoli adattamenti in musica della vicenda, che sfruttava l’allora fascino per le turcherie, famoso è quello di Vivaldi (Bajazet, 1735).

Atto I. L’azione si svolge nella città di Bursa, capitale della Bitinia nel 1403. Il sultano turco Bajazet è tenuto prigioniero nella sua reggia dall’esercito vittorioso dei Tartari, guidati da Tamerlano. Con Bajazet è la figlia Asteria, amata sia da Tamerlano che dal giovane principe greco Andronico, alleato dei Tartari, ma ugualmente impietosito per i vinti. Tamerlano, ignaro della passione di Andronico, lo prega di chiedere per suo conto la mano della ragazza al padre, promettendogli in cambio il trono di Bisanzio e la mano di Irene (la principessa di Trebisonda già promessa sposa allo stesso imperatore tartaro). Mentre Andronico, combattuto fra l’amore per Asteria e la lealtà verso Tamerlano, tenta di compiere la sua missione con Bajazet, il Tartaro non perde tempo e si dichiara apertamente ad Asteria; entrambi ottengono uno sdegnoso rifiuto. Infatti Bajazet, pieno di risentimento verso l’invasore, rifiuta qualsiasi accomodamento anche a costo della vita. Tuttavia, in un successivo colloquio a quattr’occhi con l’innamorato, Asteria si finge disposta ad accettare le odiose nozze: in realtà il suo scopo è di punire Andronico, cui rimprovera di volerla tradire per ambizione politica. Ma Andronico respinge tanto le accuse di Asteria quanto le machiavelliche insinuazioni del proprio consigliere Idaspe, il quale vorrebbe persuaderlo ad accettare la mano di Irene, o almeno a non respingerla apertamente, se questo è il prezzo per ottenere il trono promessogli da Tamerlano. Nel frattempo Irene giunge alla reggia. Avvertita da Andronico e da Idaspe del voltafaccia di Tamerlano, decide di presentarsi come la messaggera della principessa di Trebisonda (ovvero di sé stessa). Pur riconoscendo un notevole fascino a Irene, Andronico ribadisce il proprio amore per Asteria.
Atto II. La scena si sposta nell’accampamento di Tamerlano, fuori dalle mura della città. Proseguendo nella sua dispettosa strategia, Asteria si è ufficialmente fidanzata a Tamerlano e accoglie con scherno le disperate proteste di Andronico. D’altro canto ella manda a dire a Irene, attraverso la sua finta messaggera, di non disperare, perché lei non le ruberà l’amato e riuscirà a fargli cambiare idea. Frattanto Andronico rivela l’accaduto all’ignaro Bajazet, che divampa d’ira irrefrenabile e rinnega la figlia. Al cospetto dell’intero esercito tartaro, Tamerlano si accinge a celebrare le solenni nozze con Asteria. La segreta intenzione della principessa è di assassinare il tiranno, ma Bajazet sopraggiunge, interrompendo la cerimonia con aspri rimproveri. La situazione precipita, Asteria mostra lo stilo che teneva nascosto per uccidere Tamerlano, riavvicinandosi così al proprio padre e dimostrando coraggio agli occhi di tutti; Irene, ancora sotto false sembianze, rivendica da Tamerlano fedeltà alla parola data. Tamerlano ignorando le generali proteste, ordina l’immediato arresto del padre e della figlia, in attesa di mandarli a morte fra mille crudeli supplizi.
Atto III. Un giardino sulle rive dell’Eufrate. Asteria e Bajazet attendono la vendetta di Tamerlano. Prima d’allontanarsi, il padre consegna alla figlia un veleno. Contro ogni attesa, il Tartaro si dichiara disposto a riprendere Asteria, ma questa volta interviene Andronico a dichiarare il suo amore per lei, sentimento che ella non nega di ricambiare. Nuove ire di Tamerlano, il quale ordina l’immediata decapitazione di Bajazet e nozze con lo schiavo più vile per Asteria. Sopraggiunge lo stesso Bajazet e trova la figlia ai piedi di Tamerlano; costui ordina di trascinare padre e figlia alle sue mense. Ancora una volta Andronico dichiara di anteporre l’amore a qualsiasi trono. La scena si sposta nella sala del banchetto. Alla presenza di Bajazet, di Andronico e di tutto l’esercito, Asteria dovrà servirlo come una schiava. La giovane versa il veleno, datole da Bajazet, nella coppa di Tamerlano; le sue mosse vengono però scoperte e denunciate da Irene, che ora rivela la propria vera identità. Di fronte al dilemma se far assaggiare la coppa sospetta al padre o all’innamorato, Asteria sceglie di bervi lei stessa, ma viene fermata da Andronico. Il Tartaro comanda allora che Bajazet, trascinato via in catene, debba assistere al ludibrio della figlia gettata in preda agli schiavi; offre quindi la mano ad Irene che l’accetta senza esitare. In quella, sopraggiunge Idaspe recando la notizia del suicidio di Bajazet. Asteria maledice il tiranno e s’allontana disperata, ma Tamerlano, ormai placato, concede ad Andronico di condurla sposa, sul trono di Bisanzio. Con questo inatteso atto di clemenza, che gli astanti salutano unendosi in un inno di lode, Tamerlano inaugura il suo nuovo regno.

Tra le opere di Händel, Tamerlano è certo la più tragica: l’azione si svolge tutta nell’ambiente opprimente del palazzo del tiranno, senza diversioni pastorali o all’aria aperta. Il lieto fine che annuncia l’unione delle due coppie non cancella dalla memoria la morte di Bajazet. L’orchestra è meno ricca rispetto a quella dell’opera precedente Giulio Cesare (mancano trombe e corni), ma ha comunque una grande forza drammatica. Nell’aria di Irene «Par che mi nasca in seno» Händel impiega per la prima volta i clarinetti.

Nel 2008 il Teatro Real di Madrid ripropone il lavoro handeliano con profusione di mezzi. Messa in scena stilizzatissima di Graham Vick tutta in bianco a eccezione di alcuni costumi e all’elefante blu su cui arriva Irene. Le scene di Richard Hudson lasciano sempre vuoto il palcoscenico ad eccezione di un enorme piede che si appoggia a un globo (è l’arrogante potere di Tamerlano che schiaccia la Terra?). L’eleganza della messa in scena non è esente dallo stendere un velo di vaga noia sullo spettacolo di quasi quattro ore. A contrasto di tanto minimalismo è la gestualità manierata degli interpreti, soprattutto il Tamerlano della Bacelli che sembra rivolgersi a un pubblico di sordomuti per i gesti con cui accompagna ogni singola parola del suo canto.

Nel ruolo di Bajazet abbiamo l’eroica prestazione di Plácido Domingo. La sua voce è ancora sontuosa, ma chissà perché ci si aspetta sempre che da un momento all’altro intoni «Recondita armonia» o Granada… Comunque rende con grande espressione la scena del suicidio.

Stilisticamente adeguate Sara Mingardo come Andronico e Ingela Bohlin come Asteria. Paul Creesh dirige con diligenza la scura vicenda, ma l’orchestra è di strumenti moderni e si sente.

Negli extra contenuti nei due dischi un’intervista al direttore. Due tracce audio e sottotitoli in cinque lingue.

  • Tamerlano, Rousset/Audi, Bruxelles, 6 febbraio 2015
  • Tamerlano, Fasolis/Livermore, Milano, 12 settembre 2017