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Charles Gounod, Faust

Milano, Teatro alla Scala, 8 novembre 2026

(video streaming)

Faust alla Scala: il diavolo veste i panni del circo

Il Faust di Gounod torna alla Scala nell’allestimento visionario di Johannes Erath, un circo di illusioni affascinante ma talvolta sovraccarico. Daniele Rustioni dirige con eleganza e sensibilità, restituendo alla musica leggerezza, tensione drammatica e intensità espressiva. Alex Esposito domina teatralmente, Vittorio Grigolo alterna slanci ed eccessi, Marina Rebeka convince per intensità. Uno spettacolo imperfetto ma vitale, sospeso fra meraviglia e artificio.

Per il ritorno del Faust di Gounod, la Scala sceglie ancora una volta la versione più corrente, quel polpettone ipertrofico e lussuoso che siamo abituati a riconoscere come quintessenza del grand opéra francese, con cori monumentali, marce trionfali, balletti e finali degni di un kolossal hollywoodiano. Non l’originale, più leggero e maliziosamente quotidiano, dell’opéra-comique, con dialoghi parlati e ariette disseminate con garbo, più Offenbach che Meyerbeer. La sorella minore, insomma, presto sepolta sotto edizioni successive, gonfiate di orpelli per compiacere cantanti e grandi teatri internazionali.

Eppure proprio Johannes Erath aveva messo in scena la versione primigenia a Colonia nel 2021, diretta da François-Xavier Roth. Risale invece al 2025 la produzione di Denis Podalydès, con Louis Langrée sul podio, che recuperava la concezione teatrale precedente alle modifiche introdotte da Gounod dopo il debutto del 1859: recitativi cantati al posto dei dialoghi, balletto della Notte di Valpurga, eliminazione e inserimento di diversi numeri.

Alla Scala, Erath ambienta la vicenda in un circo visionario, affascinante ma talvolta prigioniero della propria esuberanza. Il regista austriaco, al debutto scaligero, racconta Gounod attraverso clown malinconici, acrobati, sosia e metamorfosi, prendendo alla lettera l’antica vocazione del teatro: trasformare la realtà in illusione.

L’intuizione non è peregrina. Il Faust di Gounod non è propriamente quello di Goethe. Del monumentale edificio filosofico tedesco conserva soprattutto il materiale sentimentale, trasformando l’avventura metafisica dell’uomo moderno in una storia di desiderio, seduzione, colpa e redenzione. Il compositore sacrifica parecchia filosofia, guadagnando però una quantità prodigiosa di musica. Dove Goethe interroga l’universo, Gounod preferisce far cantare il cuore. Non necessariamente un impoverimento: talvolta una melodia pone domande alle quali un trattato non saprebbe avvicinarsi.

Erath affronta questa ambiguità senza soggezione reverenziale. Il suo Faust smaschera le convenzioni romantiche, portando in superficie artificio, seduzione e ironia. La scenografia di Heike Scheele è dominata da un gigantesco boccascena circolare illuminato, fra arena circense e sontuoso varietà. Le proiezioni di Bibi Abel dilatano lo spazio, mentre i fantasiosi costumi di Gesine Völlm e le luci di Fabio Antoci costruiscono un universo sospeso fra eleganza parigina e incubo espressionista.

 

Il risultato è visivamente sontuoso, spesso folgorante, qualche volta eccessivo. Erath possiede una fantasia inesauribile e, come chi dispone di molti giocattoli, fatica a lasciarne qualcuno nella scatola. Clown, Pierrot, trampolieri, doppi e apparizioni surreali si inseguono senza tregua. L’occhio si diverte, l’intelligenza lavora, ma l’emozione rischia di rimanere in coda, aspettando il proprio turno.

Dietro l’apparente disordine esiste tuttavia un pensiero preciso. Mefistofele è il padrone della scena, il domatore che governa uomini e sentimenti, regista occulto di uno spettacolo dove tutti credono di scegliere e nessuno è libero. Indossa i panni del direttore d’orchestra, assume autorità religiosa o sembianze grottesche. Non gli servono corna e zoccoli: basta conoscere le debolezze umane. Questa centralità rischia però di ridimensionare Faust, spostando il baricentro drammaturgico sul personaggio di Alex Esposito.

Efficace la scena della chiesa, dove il sacro viene contaminato da un cerimoniale sinistro. Meno persuasiva l’insistenza sulle identità moltiplicate, espediente inizialmente suggestivo che, ripetuto, sottrae concentrazione ai momenti psicologicamente più intensi.

 

Quando la macchina teatrale minaccia di divorare la musica, Daniele Rustioni ristabilisce le gerarchie. La sua direzione costituisce uno dei maggiori pregi della produzione. Rispetta la scrittura di Gounod, valorizza la trasparenza orchestrale e asseconda l’eleganza della frase senza confonderla con la leziosità. L’Orchestra della Scala risponde con una tavolozza raffinata, passando dalla leggerezza scintillante del valzer alla tensione drammatica, dalla sensualità amorosa alle ombre della scena religiosa.

Rustioni conosce il valore del respiro, accompagna attentamente le voci e comprende che il romanticismo francese vive di sfumature più che di decibel. Il suo Gounod seduce senza insistere, commuove senza ricattare, conservando una vivacità teatrale che impedisce alla partitura di diventare un museo delle belle melodie. Eccellente il Coro del Teatro alla Scala, preparato da Alberto Malazzi, preciso, compatto e duttile nelle pagine festose come in quelle più cupe.

Alex Esposito conquista una consistente fetta dello spettacolo con un Mefistofele di irresistibile vitalità teatrale. Il suo diavolo non terrorizza: diverte, irretisce, provoca. È un illusionista consumato, un presentatore dalla moralità elastica, un cinico conoscitore del genere umano. Vocalmente servirebbero talora maggiore ampiezza e profondità, ma l’intelligenza interpretativa compensa largamente. Esposito comprende che la forza del demonio non consiste nell’alzare la voce, bensì nel convincere gli altri a fare esattamente ciò che desidera.

Vittorio Grigolo affronta Faust con temperamento generoso, presenza magnetica e uno strumento immediatamente riconoscibile. Possiede slancio, squillo e comunicativa, ma talvolta considera ogni frase un’occasione per dimostrare quanto ami cantare. Gounod richiederebbe invece maggiore disciplina del sentimento. Quando il tenore contiene l’esuberanza, ricercando morbidezza nel fraseggio, soprattutto nella scena del giardino, il risultato acquista autentica seduzione. Altrove, qualche eccesso espressivo, l’imperfezione dell’acuto finale di «Demeure chaste et pure» e una certa mancanza di rigore stilistico ricordano che fra intensità e sovrabbondanza passa una linea sottile.

Ma il cuore dell’opera appartiene a Marguerite. Marina Rebeka ne offre un’interpretazione di notevole statura musicale. La voce possiede luminosità, omogeneità e solidità tecnica, attraversando le metamorfosi del personaggio senza perdere eleganza. La sua Marguerite non è soltanto l’ingenua fanciulla sacrificata al desiderio maschile, ma una creatura progressivamente consapevole, nella quale convivono fragilità e dignità. Qualche scintilla in più gioverebbe all’aria dei gioielli, ma nelle pagine raccolte e soprattutto nel finale raggiunge autentica intensità. È lei a svelare la crudeltà nascosta sotto i lustrini del circo. Faust desidera, Mefistofele manipola, la società condanna. Lei sola paga davvero il prezzo della rappresentazione.

Fra gli altri interpreti si distingue Ernesto Petti, Valentin di solida autorevolezza vocale, trasformato in un Pierrot malinconico. Convincente Marcela Rahal come Siébel, mentre Hyeonsol Park offre una vivace caratterizzazione di Marthe. Completa adeguatamente la compagnia Xhieldo Hyseni come Wagner.

Il Faust di Erath è dunque uno spettacolo imperfetto ma vitale, ricco d’invenzioni, talvolta prigioniero della propria esuberanza. Quando la regia si fida della musica, il teatro prende il volo; quando pretende di illustrarne ogni sottinteso, affolla inutilmente il palcoscenico. Resta comunque il merito di aver restituito a un’opera celeberrima una salutare ambiguità, sottraendola alla rassicurante patina del repertorio.

Alla fine, mentre Marguerite cerca la salvezza e Mefistofele continua a sorridere, viene da chiedersi chi abbia vinto la partita. Forse il diavolo, che conosce la vanità degli uomini. Forse Gounod, capace ancora di sedurci dopo oltre un secolo e mezzo. O forse il teatro stesso, ricordandoci che, per qualche ora, siamo tutti disposti a vendere un pezzetto d’anima pur di credere a un’illusione.

Purché, naturalmente, sia accompagnata da buona musica.

⸪